CARTOGRAFÍA CINEFILA DE FIN DE AÑO

El por qué de la elección de las 40 películas que se proyectaron en el año:

·         OPERAS PRIMA DE GRANDES DIRECTORES: La primera obra artística de un director es de suma importancia, es el primer ladrillo de una construcción autoral que hará a lo largo de toda su carrera. La elección de estas obras y de estos directores es a partir de cómo ellos re significaron los géneros cinematográficos, introdujeron nuevos elementos formales y porque sus operas prima se han convertido en obras de culto. Además son directores que volvemos a retomar en las futuras programaciones, ya convertidos en grandes autores.

¿Qué es un autor? El concepto de autor apareció en el mundo del cine en los años 50´ a partir de la revista Cahiers du cinema y el crítico y teórico de cine, André Bazin. Los autores son aquellos directores que manifiestan un estilo único e individual en todas sus películas, que se caracteriza por ciertos elementos formales en la puesta en escena, el estilo y cómo pone al servicio de la obra y los espectadores su postura política y su visión de mundo.

1)      Simplemente sangre (Joel y Ethan Coen, 1984). Re significa el género policial. Invierte la figura de la femme fatal. Lugar geográfico: Texas. La canción final es “Malagueña Salerosa”, un tema mexicano creado en 1947 que refiere al rechazo amoroso de una mujer. Este tema es retomado por Tarantino en Kill Bill 2. Ambas mujeres, Abby (Frances McDormand) y Beatrix (Uma Thurman) se libran de sus hombres después de superar todo tipo de obstáculos. Así es como Los Coen nos llevarán a Tarantino en el ciclo de western. Ambos directores resignifican los géneros y los homenajean.

2)      Bottle Rocket (Wes Anderson, 1996). Primera película con los hermanos Wilson. Anderson retomará a los dos actores a lo largo de su carrera. Temas: la adolescencia en la década del 90´, la amistad, la aventura y el amor fugaz. Traducción de Bottle Rocket: cañita voladora, sus protagonistas son dos “barriletes”. El cine adolescente es retomado en el mes noviembre con varios de los tópicos propuestos por Anderson en ésta película: el vacío existencial y el ser incomprendidos.

3)      El elemento del crimen (Lars von Trier, 1984). Esta película forma parte de la trilogía de Europa (El elemento del crimen, Epidemic y Europa). Re significación del género: es un policial negro, en color amarillo. La hipnosis (tema que retomará en Anticristo, como también el tema de las trilogías y la “maldad” femenina).

4)      Delicatessen (Jean Pierre Jeunet y Marc Caro, 1991). Comedia negra. Película con elementos surrealistas, formalmente utiliza también el color amarillo como El elemento del crimen, ambas películas tratan el período de post guerra.

• POLICIALES: El género policial. El film noir. La femme fatal. El policía corrupto.

5)      Pacto de sangre (Billy Wilder, 1944): Pocos directores han navegado por todos los géneros con tal pericia como Wilder. Es la primera película del ciclo por ser un exponente clásico, canónico del género. Todos los elementos, tanto visuales como narrativos del policial negro estarán puestos en juego.

6)      Sed de mal (Orson Welles, 1958). El film que marca el cierre del género. Como si se tratara del final englobador de todos los policías del género. El cínico y descreído policía se ha vuelto un desencantado servidor corrupto. El plano secuencia inicial, un clásico de la Historia del cine.

7)      Alphaville (Jean Luc Godard, 1964). Fantasía sci-fi que mezcla policial negro con un futurismo oscuro y  austero. El tópico de la máquina que controla la vida humana contra un anacrónico detective. (El tema de la máquina será retomado en el ciclo de cine perturbador)

8)      El samurái (Jean Pierre Melville, 1967): El policial negro toma color pero no pierde su oscuridad. Vaticinio de los policiales estadounidenses de los 70’ por clima, escenarios e historias.

9)      Harry, el sucio (Don Siegel, 1971). Prototipo del Vigilante. La justicia por mano propia, de los mejores exponentes de una época en las que compartió cartel con “Contacto en Francia”, “Shaft” y “El vengador anónimo” por nombrar algunas similares.

PERTURBADORAS: Se modifica el orden establecido. La pesadilla. La máquina. La fábrica de sueños (Hollywood es una pesadilla).

10)   Anticristo (Lars von Trier, 2009). Retomamos al director, vuelve a utilizar el tema de la hipnosis. Forma parte de una nueva trilogía, que nosotros denominamos: Trilogía del fin del mundo [Antichristo, Melancholia y Nynphomaniac (aún sin estrenar)]. En el universo von Trier la mujer es siempre castigada, pero en ésta es también ella quién se venga. La utilización de la figura del niño, como se utiliza en el cine de terror (ciclo del próximo mes)

11)   Tetsuo (Shin´ya Tsukamoto, 1989). El verdadero Iron man. La máquina. La televisión como trituradora. Cyber punk japonés.

12)   Imperio (David Lynch, 2006). Los sueños, la pesadilla, la puesta en abismo: “el cine dentro del cine”. La utilización de la música jazz como variaciones de un mismo tema (utiliza en la banda sonora a Dave Brubeck). Para Lynch es de suma importancia la banda sonora en todo su cine porque está en función de la historia. Angelo Badalamenti (compositor) en Lynch, funciona como un Bernard Herman en las películas de Hitchcock (aunque no haya estado programado este año Alfred Hitchcock está siempre presente)

13)    Videodrome (David Cronemberg, 1983). Relación con Tetsuo, la máquina y la televisión y el concepto de “la nueva carne”, una fusión entre lo humano y lo mecánico.

TERROR.  El género de terror. Utilización de los niños en este género. Stephen King “el gran exponente de la literatura de misterio y terror”.

14)   El  resplandor (Stanley Kubrick, 1980). El personaje principal es un niño, “Danny”. Suma importancia a la nieve, el encierro y el laberinto. Motivos literarios. Stephen King. La idea de resplandor.

15)   La cosa (John Carpenter, 1982). Maestro del género. Como en “La niebla”, lo monstruoso viene del más allá, metáfora que ha utilizado el terror y la ciencia ficción post segunda guerra para hablar del comunismo.

16)   La niebla (Frank Darabont, 2007). Presencia de niños. Stephen King. Final atípico. Relación con La cosa, los bichos/monstruos y La niebla de Carpenter.

17)   Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008). Niños protagonistas. La sangre. Importancia de la nieve. La idea de resplandor: ¿La reencarnación?

WESTERN. El género Western y el Spaguetti Western. El tren. El oeste. 

18)   Johnny guitar (Nicholas Rey, 1954). Modelo de Western clásico, con todos sus conflictos. El progreso, encarnado en el tren, el conflicto socio-económico entre agricultores y ganaderos- Este, además es un western de mujeres. Mujeres protagonístas como luego lo retomarán los resignificadores de géneros como Los Coen, Tarantino y Lars von Trier.

19)   El hombre que mató a Liberty Valance (John Ford, 1962). Así como “Sed de mal” cierra el policial negro, este film hace lo propio con el western. Aquí los conflictos del género culminan, gana el progreso, la civilización, el capitalismo y el liberalismo. La ciudad se come al campo, la democracia se erige como nueva forma de control. John Wayne el más grande de los actores del Western clásico.

20)   Pandilla salvaje (Sam Peckinpah, 1969): Spaghetti Western. No encontraremos aquí los conflictos del western clásico. El progreso que se prometía no llegó, ya no existen quienes están dentro y fuera de la ley. Tanto los bandidos como los sheriff y el ejército están fuera de su esfera. Todos son “outlaws”, marginales, corruptos y sanguinarios.

21)   Bronco Billy (Clint Eastwood, 1980): El western ya murió, como género cinematográfico y como momento histórico. Sólo queda la remembranza, el homenaje, el recuerdo de algo que nunca fue. Y en esta empresa está metido Clint Eastwood (como director y como personaje protagonista). El rescate de un tiempo que fue (o que nunca fue) esconde otros rescates, el de la ilusión, el juego y la infancia. Eastwood demuestra un timing increíble para la comedia. Así como sucede con Woody y Keaton (pareja fuera y dentro de la pantalla), Clint nos muestra a su partener sentimental, Sondra Locke.

22)   Django sin cadenas (Quentin Tarantino, 2012). Tarantino homenajea a sus maestros. El western vuelve pero como fetiche, como objeto retro. La tensión en los diálogos claramente nos recuerdan los mejores momentos de Leone y el comienzo de Johnny Guitar. Las palabras hieren tanto como las balas.

EL AMOR SEGÚN WOODY ALLEN Y FRANCOIS TRUFFAUT. Dos de nuestros directores favoritos. La idea del director cinéfilo que determina uno de los rasgos característicos del cine de autor. Ambos directores hacen películas autobiográficas y tienen una visión de mundo tierna y pesimista a la vez. Las ciudades de Paris y Nueva York como los lugares que determinan las personalidades de estos 2 grandes autores:

23)   Besos robados (Francois Truffaut, 1968). Las aventuras de Antoine Doinel, el alter ego de Truffaut, desde “Los 400 golpes” hasta “El amor en fuga”.

24)   Annie Hall (Woody Allen, 1977). Truffaut dijo en una crítica de ésta gran película y su director: “El actor cómico que escogió ser su propio autor y su propio director nos lo da todo, su apariencia física, sus ideas sobre la vida y sobre su arte, a menudo da más de lo que él cree estar dando, se expone al cien por cien…”.

25)   Domicilio conyugal (Francois Truffaut, 1972). La continuación de “Besos robados”, la pareja ya está casada, tiene un hijo y comienza la crisis. La infidelidad de Doinel “un eterno adolescente” (LA temática del ciclo de noviembre).

26)   Manhattan (Woody Allen, 1979): la ciudad como espejo y continuidad de la persona. Esta comedia muestra sus grietas por donde pasan la amargura y la oscuridad. Otra vez la dupla Woody-Keaton.

MOKUMENTARY (FALSO DOCUMENTAL). La mezcla del documental con la ficción, la gran problemática reflexiva del cine independiente actual.

27)   F de falso (Orson Welles, 1973). El primer falso documental de la Historia del cine de la mano de Welles, director retomado por el Cineclub, porque siempre marca una nueva forma, una ruptura con el cine anterior.

28)   Spinal tap (Rob Reiner, 1984). A partir de esta película se establece la idea de Mokumentary. Este es el primer Rockumentary de la Historia del cine, sus 2 exponentes Rob Reiner y Christopher Guest (quien luego impulsará el género).

29)   Zelig (Woody Allen, 1983). Retomamos a Woody, es este maravilloso falso documental en blanco y negro, la idea del noticiario, del hombre camaleónico y ¡el Cine! como el gran fabricante de sueños.

30)   En Construcción (José Luis Guerín, 2001). Función especial en el Centro Cultural Paco Urondo. Película responsable del nombre del Cineclub. Un documental ficción filmado en el barrio chino barcelonés. La construcción de un edificio que es el protagonista de esta gran película. Como lo es nuestro hogar/cineclub.

31)   Esperando a Guffman (Christopher Guest, 1996). Maravilloso falso documental, con todos sus elementos, Christopher Guest es director y actor de esta historia con reminiscencias a Esperando a Godot de Samuel Beckett y el teatro del absurdo.

CINE TEEN.  Temática y problemáticas adolescentes: La sexualidad, el vacío existencial, el ser incomprendidos.

32)   Criaturas celestiales (Peter Jackson, 1994): el amor y la amistad, dos tópicos tan difíciles de discriminar y de separar en la adolescencia. La amistad se vuelve el amor más puro, sensual e intelectual, motor de la vida y de la muerte

33)   El nosotros y el yo (Michel Gondry, 2012). Función especial en el Centro Cultural Paco Urondo. Los adolescentes sin cadenas, escapados de la cárcel de la escuela, este grupo se sube al colectivo que los devuelve a sus casas y que les impone enfrentar todos los conflictos de roles y relaciones de un año en unas horas. La crueldad y el amor como las dos caras de la pasión adolescente.

34)   Dear Wendy (Thomas Vitenberg, 2004): el grupo sectario, la identidad y la pertenencia. Otras de las temáticas del mundo adolescente. El honor, el descubrimiento de algo valioso y eterno en sí mismo, contra todo y contra todos. Lars von Trier es el guionista de esta película, de este western adolescente.

35)   C.R.A.Z.Y (Jean Marc Vallé,  2005): La música y su historia como telón de fondo para esta historia de la identidad sexual y el vínculo familiar. Formarse como persona a través de la pasión y la apariencia. El superyó y el ello en conflicto permanente (relación con El nosotros y el yo de Michel Gondry).

36)   Juno (Jason Reitman, 2007): Embarazo adolescente. Una problemática que podría augurar un drama. Sin embargo, Reitman intenta ver, a partir de la comedia, cómo los adolescentes conviven con el conflicto. Sin afectación, sin golpe bajo, sin dejar de lado la idea de afrontar un problema y atenerse a las consecuencias.

37)   Las ventajas de ser invisible (Stephen Chbosky, 2012): La patología mental. El protagonista está perturbado, no sabemos bien desde cuándo ni por qué. Este film contiene todos los tópicos visuales y narrativos del subgénero pero sin la inocencia, hipocresía e, incluso, estupidez, de muchas de las películas con las que crecimos. El amor, la idealización y el sentirse un freak. Además la tía del protagonista es la coprotagonista de Criaturas celestiales (Melanie Lynskey).

MICHEL GONDRY (EL MENOS COMERCIAL). El primer ciclo elegido por el público y seleccionado mediante sorteo. Se retoma el cine de Michel Gondry.

38)   Naturaleza Humana (Michel Gondry, 2001). Película que quedó afuera del primer ciclo “Operas primas de grandes directores”, casualidad o no, el público armó su propia cartografía y eligió ésta película para el último ciclo del año.

39)   Rebobinados (Michel Gondry, 2008). Homenaje al videoclub, al cine de los 80´s y 90´s que miramos en nuestra infancia y adolescencia (tardía), la idea de cineclub, los efectos caseros y los juegos de imágenes de todo el cine y video clips de Gondry, todo junto en esta maravillosa película.  

40)   El nosotros y el yo (Michel Gondry, 2012). Ultima función del año. El viaje se termina, para darle lugar a un nuevo año, a nuevos ciclos y a nuevos espectadores.

¡FELIZ AÑO PARA TODOS Y GRACIAS POR COMPARTIR EL PLACER DE LA MIRADA CON NOSOTROS!